Artistes

Marcel Pey

(Cardona, España,1948)

Según el fotógrafo Walker Evans toda buena fotografía es literatura. En el caso de Marcel Pey , literatura y arte visual conforman un todo inseparable donde palabra e imagen celebran sus bodas alquímicas. Poeta, cineasta y artista plástico influido por las corrientes del Pop Art y el Underground americano, su temática gira alrededor de la violencia, el erotismo, el control panóptico de la sociedad de consumo y la manipulación de los medios de comunicación de masas.

Su obra se basa en la apropiación de imágenes a través de la refotografía y el collage fotográfico la cual atraviesa con la navaja de sus poemas.

El poeta David Castillo ha afirmado que “ el término poesía es el único que puede abarcar su obra global”.

 

Pere Formiguera

( Sant Cugat,España, 1952-2013)

Pere Formiguera formó parte de una generación de artista de vanguardia que en los años 70 adoptó la fotografía como medio de expresión. Fotógrafo, escritor, historiador, coleccionista y comisario de exposiciones. Su obra siempre se opuso a los límites del lenguaje fotográfico y revindicó la función artística y experimental de la fotografía de autor. Influido por movimientos artísticos como el Dadá, el Arte Conceptual o Fluxus  su trabajo se mueve entre el fotomontaje, la secuenciación y la hibridación. Este proceso creativo de hibridación entre fotografía y pintura ha sido descrito por el comisario Juan Naranjo: “intervenía sus fotografías con materiales poco nobles como el rotulador. El alejamiento del virtuosismo técnico está vinculado a su posición artística y utiliza esta estética como elemento diferenciador de la fotografía aplicada, profesional”.

La primera exposición de Pere Formiguera tuvo lugar en la sala de la antigua Biblioteca de Rubí el año 1973. En esta edición vuelve a la ciudad con una serie de polaroids realizadas con una cámara SX-70. La técnica de manipulación y daño de la imagen en el mismo momento de su revelado instantáneo ofrece este resultado mágico y pictórico.

 

MARGARET LANSIK

( Oldenzaal, Holanda, 1961 )

El delicado blanco y negro de Margaret Lansik brilla como la luna en medio de un haiku. Sus fotografías están heridas por la luz de la misma manera que tiempo hiere la piel del mundo. Paisajes y fragmentos del cuerpo desnudo de una mujer se combinan en el espacio alargado y vertical del kakemono.

Una línea dorada atraviesa sus imágenes a la manera del arte japonés del Kintsukuroi. Una práctica tradicional del Japón que repara con oro las fracturas de una pieza de cerámica para así dejar al descubierto las  marcas de las cicatrices. La belleza de lo que se ha roto y logra persistir  a pesar de su fragilidad.

Con Borders of nothingless ha ganado el prestigioso premio Hariban 2019.

 

ZHANG XIAO

( Yantai, China, 1981)

Las fotografías del trabajo They buscan lo extraordinario en lo ordinario de la vida cotidiana. Zhang Xiao con los ojos abiertos como platos su entorno más cercano y nos habla de los otros como si fuese extranjero en tierra desconocida.

 

La realidad de Chongquing, zona donde vive y trabaja, le maravilla como si él mismo fuese un nuevo Marco Polo que descubre la China.

Esta serie imágenes se realizaron con una cámara de juguete muy peculiar, la mítica Holga.

Su formato cuadrado y su óptica de plástico produce unos colores de una profunda saturación y una distorsión de la luz que oscurece los márgenes de la imagen. A pesar de su naturaleza documental nos presenta el encuentro con un mundo onírico, brumoso, surrealista  y veces Kitsch, siempre lleno de humor y absurdidad.

AURORE DAL MAS

( Ottignies, Bélgica, 1981 )

Dead en dust es la reelaboración de dos trabajos distintos de la autora, Sans issue y  Polvere. Sus polaroids de colores desvaídos nos muestran

paisajes naturales y urbanos llenos de soledad. Entornos llenos de belleza y desolación que lloran la ausencia humana. Imágenes cargadas de ternura y tristeza donde nadie puede vivir. Un mundo extraño e inquietante donde el ser humano parece haber desaparecido. Paralelamente, encontramos imágenes negras como el tizón donde hombres y mujeres de rostro velado están enjaulados en la oscuridad.

Un tiempo detenido y una noche eterna.

TEREZA KOZINK

( Kranj, Eslovenia, 1985 )

Las fotografías de Tereza Kozink siguen los pasos de su vida y de sus viajes. Son su brújula y su mapa de carreteras. Espacios geográficamente distantes atados por un hilo invisible al corazón de la tierra. La protagonista de este diario íntimo siempre está el centro de su mundo. No fotografía tanto para recordar lo que ha visto sino para recordar llo que sentía mientras fotografiaba.

Una mirada frontal que recoge imágenes sencillas como una semilla que germina y hace crecer un árbol frondoso. Una realidad recortada sobre el vacío y escaleras rojas que nos llevan a otros mundos. Como nos dice la misma autora:

“Esta tierra es muy distinta dela tierra donde nací. Sin embargo, la nieve tiene el mismo sabor. Las aves vuelan y los árboles crecen. Cuando me acostaba por la noche sentía un frío muy profundo a la vez que una fuerte felicidad. Me sentía en paz y de aquí nacía la necesidad”.

 

LILY ZOUMPOULI

( Tesalónica, Grecia, 1991 )

El diario visual y la autodocumentación es el hilo conductor de las imágenes de esta joven fotógrafa. La búsqueda y la experimentación de la propia identidad con sus momentos de alegría y sus momentos de tristeza, amor y desamor, certeza e incertidumbre. Lily Zoumpouli fotografía su mundo íntimo y el círculo de sus amistades con una mirada sincera pero también  sexual y provocativa.

La emoción es un elemento muy importante en su trabajo, Más allá de cualquier elemento descriptivo o narrativo, el aliento poético explico mucho el corriente de este río tumultuoso. Un recorrido visceral y a veces brutal que no excluye la ternura.

Hay que destacar su peculiar uso del color que se mueve entre la saturación y la desaturación, con un claro gusto por la imperfección técnica que nutre su obra de viveza y autenticidad.

Un canto de amor a la vida en el medio del caos de la experiencia de ser joven. Una realidad fotográfica preñada de fuego.

MARIA STURM

( Ploiesti, Rumania, 1985)

El controvertido filósofo Michel Onfray en su ensayo Cosmos nos habla de lo que él denomina “analfabetismo libresco”: “Hay demasiados libros que prescinden del mundo y al mismo tiempo pretenden describírnoslo(...) Se ha instalado una inmensa biblioteca entre los hombres y el cosmos, la naturaleza, lo real”. Su propuesta filosófica incita el contacto directo con el cosmos y la naturaleza, un retorno a los orígenes de la humanidad antes de la invención de los instrumentos de medición del tiempo. Para él, el pueblo gitano representa la sabiduría, el poder de la intuición y la vitalidad ante la decadencia de occidente. La vida nómada del tiempo circular de los ciclos de la Naturaleza enfrontada a la vida mutilada y sedentaria del tiempo lineal. Una existencia que lee poéticamente el cosmos dentro de una lógica pagana llena de mitos e historias fundacionales. Cada visión del mundo implica una manera de vivir.

Be Good muestra retratos de parejas gitanas adolescentes acabados de casar, sus tradiciones y sus rituales de boda donde la virginidad de la mujer es sagrada. Niños y niñas que de golpe pasan a ser padres y madres en una sociedad que no conoce el concepto de juventud. Este trabajo recibió el premio Dummy Award en el marco del fetsival DOCfield de Barcelona 2015.

TATIANA GUTIÉRREZ

(Elche, España, 1983 )

Horondo Soko Ni “casi allí” de Tatiana Gutiérrez es su primer proyecto fotográfico. A pesar de ello, podemos apreciar una madurez poco habitual. Llena de talento y de una gran intuición visual, esta fotógrafa ha alcanzado, rápidamente, una voz propia. Realizadas durante un viaje al Japón durante el abril del 2018, sus fotografías conforman una narración introspectiva de su trayecto. Mundo interior y mundo exterior se entrelazan para hablar de su soledad y crear de esta manera un imaginario poético y onírico. Tatiana Gutiérrez cierra los ojos para descifrar su entorno y mira atenta la realidad para conocerse mejor.

PATRICIA BOFILL

( Barcelona, España 1973 )

En palabras de la autora: “Invisible Infinito nos confronta con los límites de la representación, con una fotografía de naturaleza ambigua, opaca y elusiva, cuya relación con lo real se nos muestra frágil, precaria; y con un mundo, el de la imagen, sin certezas visuales”.

Sus fotografías son una suerte de contrapaisaje que lucha parar atrapar la esencia material del alma. Al igual que un pinto chino de la dinastía Tang , negro sobre negro, Patricia Bofill extiende sus formas esenciales sobre el lienzo de la Nada. Vacío y plenitud. Solana y umbría. Piedra y ceniza. Un lenguaje paradójico lleno de formulaciones opuestas.

GABRIELLE DUPLANTIER

( Bayona, Francia, 1978)

Terres basses presenta un universo íntimo, poético y esencialmente femenino. Paisajes nocturnos de contornos temblorosos, espacios aislados de una ciudad incierta y retratos de mujeres y niños. El País Vasco y Portugal son el ámbito geográfico de sus fotografías, un territorio interior de duelo y tristeza. Un retorno a los orígenes después de la muerte de su madre. Una provincia del pasado congelada en la memoria. Un blanco y negro melancólico que le sirve para distanciarse de la realidad y hablar de su realidad.

ALISA RESNIK

( San Petersburgo, Rusia, 1976)

La comisaria Laura Serani ha descrito el trabajo de Alisa Resnik de la manera siguiente:

“A partir de un universo inquietante y angustioso, construye un imaginario donde podemos sentir su profunda empatía por las personas y los lugares que fotografía. Bares vacíos, pasillos de hotel, fábricas abandonadas, casas a simple vista deshabitadas pero con las luces encendidas, árboles engalanados o cubiertos de nieve (…) una sucesión de personas solitarias con el rostro desfigurado y el cuerpo deslavazado, solos o envueltos en un abrazo, haciendo equilibrios sobre el abismo o congelados en una pesadilla”.

Sus colores trémulos , azules, rojos y verdes, recuerdan los tenebrosos claroscuros de Caravaggio y acentúan la desesperación de sus personajes atrapados en una noche perpetua.

 

STÉPHANE CHARPENTIER

(Nantes, Francia, 1974 )

Stéphane Charpentier es un artista multidisciplinar que utiliza la fotografía, el video y el arte sonoro. Sus fotografías de alto contraste están llenas de oscuridad tenebrosa i luz cegadora. Su trabajo quiere superar de la dualidad y las falsas antinomias  del pensamiento occidental. No hay sombra sin luz.

The Core es título de su trabajo y refiere el núcleo de la realidad: el corazón del hombre y el mundo primordial del átomo. Un intento de experimentar cierta comprensión de la existencia