Artistes

Enric Montes

(Barcelona, Espanya, 1969)

La poètica d’aquest autor es fonamenta en la seqüència narrativa que configura el conjunt de les seves imatges i que, pàgina a pàgina, llibre a llibre, van creant un univers propi ple de coherència.
El color en les seves fotografies és una flamarada que brilla en la seva màxima intensitat abans d'apagar-se i ser devorat per la foscor.
Colors purs i intensos que es relacionen entre si i marquen el ritme de la seva lectura. Imatges verticals, tremoloses com ones d'aigua i ombres apagades a punt de desaparèixer.
La realitat és plena de petites esquerdes i carreteres perdudes que ens menen a un món oníric tocat per la màgia de les coses.
La metàfora del viatge vertebra una obra fotogràfica inspirada per la literatura i el cinema, sempre a la recerca d’allò que és extraordinari. Les seves inspirades troballes dibuixen un moviment pendular que interacciona en totes les seves fotografies.
Aquestes imatges pertanyen al seu treball El domador de sueños, que al costat de El viaje vertical i El eco de les cosas completa la seva trilogia El buscador  de prodigios.

Trine Sondergaard

Greena, Dinamarca 1972

Hi ha fotògrafs que utilitzen la càmera per escoltar el cor de la gent. Mirar als ulls i apropar-se al paisatge d'un rostre. És per això que el retrat continua sent un dels gèneres més populars de la fotografia, tot i que ara mateix no tingui massa reconeixement ni predicament.
Les obres en format quadrat i en blanc i negre de la sèrie Sense Títol, de Trine Sondergaard, retraten una sèrie de dones en la seva maduresa, amb el rostre ocult, envoltat pel mantell del seu cabell.
El rostre és el referent i la seu simbòlica de la nostra identitat, l'aparença física de la cara com a certificat de la nostra personalitat. No obstant això, el subjecte retratat mai no és amo de la seva imatge i no deixa de ser una ficció consensuada prendre una part pel tot, considerar la nostra cara com a emblema narratiu del jo. El fet d'ocultar les cares d'aquestes dones impugna la idea clàssica que vincula la cara amb el retrat, però tot i així manté l’estrany vincle del retrat amb la veritat.
Segons Margarite Yourcenar el temps és un gran escultor i en aquestes imatges podem percebre els diferents tons dels cabells blancs en les seves cabelleres, simbolitzant el seu procés d'envelliment. En el seu negatiu, escultures de marbre blanc amb delicades vetes negres.
El cabell llarg ha estat tradicionalment un símbol de la bellesa femenina i del seu atractiu sexual, sempre en la plenitud de la joventut. Aquestes fotografies carregades  de força i subtilesa desmenteixen aquest estereotip cultural i mostren la sensualitat i la bellesa d'aquestes dones.

Gaël Bonnefon

Foix, Francia 1982

La radicalitat experimental de Gael Bonnefon no és un gest buit sinó que està al servei d'una visió del món que es basa en la terrible bellesa que significa ser viu.
La inestabilitat i la fragilitat dels materials fotogràfics, l'accident i l'error, l'emoció i la  intuïció de les seves captures formen part de la seva peculiaritat estètica.
L'ús de pel·lícula caducada i la tècnica del procés creuat- utilitzar químics de revelat de diapositives per al negatiu i a l’inrevés - produeix l'aparició de colors hipersaturats i irreals. Una paleta cromàtica alterada que es barreja amb les seves imatges tremudes i borroses, sobreexposades i de gra voluminós.
Unes fotografies crues que revelen una realitat fantasmal i ferotge, deformada, sempre en tensió entre allò trivial i allò sorprenent.
Una poètica expressionista i dolorosa que no menysprea els moments quotidians de plenitud i bellesa. Els espais exteriors, els límits entre la ciutat i la natura, el territori íntim de l'habitatge, cossos esvaïts a punt de ser engolits pel paisatge i la boira, rostres en primer pla perfilats per la llum frontal del flaix, la brutalitat del foc, el blau lletós del cel i la nostàlgia dels dies.

Una fotografia plena d'ànsia i quietud.

António Júlio Duarte

Lisboa, Portugal 1967

El títol d'aquest treball, Againts the day, contra el dia, és una expressió anglesa que significa contra la llum del dia, és a dir, a contrallum.
El seu sentit literal, en contra dels dies, també remet a la seva voluntat de preservar la memòria i la vida del pas del temps.
Les fotografies d'aquest projecte van ser preses als Estats Units durant els anys 2009 i 2018, en algunes ocasions acompanyant en la seva gira un grup de músics, visitant les ciutats i els locals on realitzaven els seus concerts.
Encara que mai no s'especifica la seva geografia concreta, el paisatge fotografiat podria pertànyer al Sud, el profund Sud narrat per tants escriptors nord-americans.
Les seves imatges d'un color saturat estan il·luminades per la llum disponible als exteriors i pel flaix frontal i despietat als interiors. El cercle és un motiu que es repeteix en les seves fotografies de format quadrat, disparades per una càmera Mamiya 6.
De manera deliberada, Antonio juliol Duarte fragmenta la realitat per presentar l'estranyament d'un món que escapa a la nostra comprensió. Espais tristos i desolats, objectes aïllats en la seva solitud, una naturalesa amenaçant i el retrat dels personatges d'aquest peculiar cosmos opac i violent.

Massimiliano Tommaso Rezza

Roccasecca, Italia 1967

Un salm és un càntic religiós de lloança a Déu. El poema Salm de Paul Celan en el qual s'inspira aquest projecte és un cant a la dolorosa inexistència de Déu. Com escriu el propi fotògraf: "El cel sota el qual viuen els homes està buit. Ningú no respon a la nostra crida ". Déu ha mort i ha desaparegut de les nostres vides.
El poema pertany a el llibre La rosa de ningú (1963), i el podem llegir en una versió  de l'alemany de Karen Müller i Andreu Vidal.
Massimiliano Tomaso Rezza no intenta il·lustrar el poema sinó generar un contracant que dialogui amb les paraules. Imatges repetitives i senzilles d'un blanc i negre rentat, gairebé sense contrastos, producte de l'escaneig sense retocar dels seus negatius, plens de taques de pols, ratlles i entrades de llum.
Psalm és un poema visual que canta el buit i la incertesa amb un nou llenguatge. Com diu el seu subtítol "una contra-melodia al poema Salm,  de Paul Celan". Una veu que canta sobre el fraseig d'una oració secular.
El 20 d'abril de 1970, Paul Celan es llançà a les aigües del Sena, des del pont Mirabeau.

José Ramón Bas

(Madrid, España 1964)

Segons el crític d'art Christian Caujolle, José Ramón Bas és un "inclassificable poeta" i "un viatger manyós que s'assembla molt a aquells nens capaços de meravellar-se i inventar joguines sorprenents  amb els objectes que els envolten"

L'espontaneïtat i el component lúdic de la creació són aspectes essencials en el seu procés d'experimentació amb els materials. Les seves fotografies -capturades amb un càmera de joguina de format quadrat i que, a causa de la seva lent de plàstic, proporciona un marcat vinyetatge a les cantonades - es combinen amb el collage, el dibuix i l'escriptura.
El negatiu és el punt de partida per intervenir la imatge a través de diferents procediments plàstics i textuals.
El seu projecte Ícaro ha estat exposat en diferents formats, però aquí podem veure el seu Quadern de viatge per Brasil, on a partir d'un nen real, anomenat Ícaro, vol representar el somni de volar de molts nens, la seva necessitat de sentir-se lliures, tancats i atrapats en societats injustes .
Les seves fotografies en color i blanc i negre apareixen enganxades amb cinta adhesiva als fulls del seu quadern, reenquadrades a llapis, travessades per la paraula escrita i el dibuix. Fotografies tacades, amb gargots, maltractades fins i tot, inserides en un diari íntim de viatge que converteixen aquest treball en un llibre d'artista o més aviat en un poema-objecte.

Arja Hytiäinen

(Turku, Finlandia 1974)

Per a la fotògrafa finlandesa Arja Hyytiainen, la fotografia és un mitjà per entrar a la vida dels altres i documentar les seves pròpies experiències personals. Una mena de autoficció on es barregen realitat i somni.
La seva fotografia, gairebé sempre en blanc i negre, ha deixat de ser tan ombrívola com en els seus primers treballs, cosa que no vol dir que s'hagi endolcit.
La llum nocturna ha deixat pas a la llum brillant dels dies dedicats al seu projecte Ile d'Enfance (Illa de la infància) compost per unes fotografies d'un blanc i negre ple de delicats grisos.
Aquest treball tracta sobre la infància i la identitat des del punt de vista de la seva filla i dels propis records de la fotògrafa.
Establerta a França, l'autora viatja tots els estius amb la seva família a una illa de Finlàndia on comparteix amb la seva nena el paisatge i les vivències de la seva pròpia infància. Els nervis del viatge, la trobada amb els familiars, les aventures, els cops i els genolls pelats, els espais infinits, la mort dels animals estimats i de nou els comiats. Els estius de la infantesa són eterns i en aquestes fotografies veiem una petita en contacte amb la natura, que descobreix a poc a poc la veritat i la duresa de l'existència. Mentrestant, una mare amb la seva càmera mira com la seva filla creix any rere any.

Neus Solà

(Barcelona, España 1984)

Amb unb marcat alè poètic, les fotografies de Neus Solà ens apropen tant al mite com a la realitat de les hijras de l’Índia. Reconegudes com un tercer gènere, segons la mitologia hindú tenen un origen diví, per la qual cosa  antigament eren figures molt respectades i amb cert estatus social. Se'ls atribueix, encara avui, el poder de beneir o maleir, el que desperta alhora temor i desconcert.
Amb la colonització britànica van passar a ser una amenaça a la moral i als bons costums i es van convertir en un dels sectors més marginats de la societat, condemnades a la mendicitat i a la prostitució.
El títol del projecte Nirvan es refereix al procés d’emasculació ritual al qual sotmeten les hijras.
L'antropòloga Serena Nanda, en el seu llibre Ni homes ni dones, les hijras de l'Índia, pregunta a una de les seves entrevistades:

"Per què t'has de sotmetre a aquesta operació? Li vaig preguntar a la Kamladevi. Ella va respondre que les hijras tenen molts poders, però només si estan castrades.

I de seguida va narrar aquesta història:

Un cop hi va haver un rei que li va demanar a una hijra que li mostrés el seu poder. La hijra va aplaudir tres vegades i immediatament la porta del palau de rei es va obrir sense que ningú la toqués. Llavors el rei va dir, "mostra’m el teu poder d'una altra manera". Al costat  del camí hi havia un cactus espinós. La hijra simplement va prendre l'espina del cactus i es va castrar. La hijra es va quedar allà amb la sang regalimant i va aixecar la mà amb el penis dins. Llavors el rei es va adonar del poder de les hijras."

Salvi Danés

(Barcelona, España 1985)

Recordem coses que no han succeït i perseguim coses que mai han existit. La història va néixer amb l'escriptura però perpetuem mites que es perden en la nit dels temps.
Cypsela és el nom d'una ciutat mitològica que hauria estat situada enfront de les Illes Medes (Empordà) per Avienus, escriptor llatí del s. IV dC, en el seu poema "Ora marítima":

"Que aquí va estar la ciutat de Cipsela és ja tan sols un record, ja que el escabrós sòl no conserva cap vestigi de la ciutat primitiva".

Segons la llegenda la ciutat hauria estat engolida pel mar. Un misteriós mite que continua viu entre els habitants de la zona.
Les fotografies de Salvi Danés, d'un intens blanc i negre, tracen el mapa visual d'un territori somiat. Una mena de diari íntim que s'explica a través de l'imaginari col·lectiu de l'àmbit geogràfic de l'Empordà. Unes imatges nostàlgiques que assenyalen la persistència del que ja no existeix.

Dimitra Dede

(Atenas, Grecia 1974)

Després de la mort de la seva mare, l'autora va iniciar un viatge per descobrir les glaceres d'Europa. "Durant el seu funeral, li vaig fer un petó al front, com és costum a Grècia, i em va sorprendre aquest contacte gèlid, que contrastava amb la calor del mes de juny", explica. Un relat metafòric que explica la clau del seu treball Mayflies, el contrast entre la calidesa de l'abraçada maternal i la gèlida intempèrie de la pèrdua.
En les seves fotos la naturalesa i el cos es fonen en un món ple d'angoixa, on cada element vol tornar a néixer, tornar a l'úter matern, per a romandre arrecerat de la mort.

"La vida és efímera- contínua la fotògrafa-la maternitat és una lluita per la perpetuació, però això ¿és només una il·lusió?".

Mayflies significa “efímeres”, un insecte que neix, es reprodueix i mor en un sol dia.
Les seves fotografies reflecteixen aquesta lluita a mort per l'existència, maltractades i danyades durant el procés creatiu, sotmeses a la calor de foc, a l'àcid, i pintades amb violència. Elles mateixes debatent-se entre la vida i la mort de les imatges.
Un dolorós procés de dol que revela un univers agònic, encara que terriblement bell.

Yasmina Benabderrahmane

(Rueil-Malmaison, Francia 1983)

En el seu projecte La bèstia. Un conte modern, Yasmina Benabderrahmane documenta en un to poètic les tensions entre la tradició i la modernitat al Marroc actual. Totes les imatges que configuren el treball estan compostes per fotogrames trets de la seva obra fílmica gravada en format Super-8. Imatges tant en color com en blanc i negre, que l'autora pot tornar a reenquadrar segons el mitjà expositiu. Després de catorze anys sense tornar al Marroc, va començar a filmar la construcció del Gran Teatre de Rabat a la Vall de Bouregreg, on es vol erigir un important centre cultural.
Els canvis en la fesomia d'aquesta terra ancestral, coneguda com la Vall dels terrissaires, s'intercalen amb escenes familiars, com la celebració de la festa del xai. Un relat visual en el qual els protagonistes són la seva àvia, el seu oncle i l'ombra d'aquesta bèstia en construcció que s'alimenta del paisatge. Un conte modern, en el qual història i intrahistòria s'entrellacen.

Rosa María Florensa Palacios

(Barcelona, España 1994)

El trap és el nou punk. Amb un estètica i unes maneres que als més vells ens semblen xarones i de mal gust, el seu estil musical es caracteritza per l'ús d'un sempitern autotune i d'un ritme repetitiu que es pot fondre amb d’altres gèneres, com el reggaeton.
Les seves lletres van dirigides als joves de les classes més desfavorides i colpejades per la crisi i l'atur. En elles es canten els problemes del carrer, la violència, el sexe i les drogues sense censura, amb un llenguatge allunyat de la norma acadèmica, ple d'anglicismes i, en el cas del català, ple de castellanades.
El trap és explicar el que coneixes i el que has viscut. El treball de la fotògrafa Rosa Maria Forensa Palacios documenta des de dins aquesta generació de joves que ha emergit amb el trap i que ha adoptat la seva manera de viure, de vestir, d'expressar-se, de ballar i divertir-se. Les seves fotografies configuren un diari visual que retrata el seu món íntim i el seu cercle d'amistats amb una mirada autèntica i honesta. Un procés d'autodocumentació ple de caos i emoció, amb imatges directes i enquadraments agressius, cops directes de flash, pel·lícula de color caducada i escanejos descuidats. Una manera visceral de fotografiar que vol captar la realitat dels seus dies i de les seves nits.